巴洛克音樂是絕對地、完全地展現聲響之美，從這些由古樂器演出的音樂裏，可以聽到一種「被遺忘了的聲音」——很遙遠、很典雅，音色清澈，無負擔。
巴洛克時期剛開始的前50年，巴洛克音樂有著不規則、誇張卻豐富的聲響，到稍後期意大利作曲家柯賴里（Arcangelo Corelli，1653年至1713年）則傾向於比較規則與約束的作曲法，但卻充滿了溫暖與熱情，在他的作品《聖誕協奏曲》裏，我們同時聽到他把舞曲帶入宗教音樂之中，這意味著教會也在順應世俗。柯賴里是作曲家，又是小提琴演奏家，也是個指揮家，他寫的小提琴奏鳴曲，奠定了後起之秀寫作小提琴獨奏曲的標竿。
巴洛克音樂存在極具珍貴的價值與貢獻，他有幾種特徵是以往音樂所沒有出現的，一個是數字低音（Basso continuo）的技巧；一個是單旋律的表現法，叫單音歌曲（monody）；另一個是歌劇（Opera）、神劇（oratorio）、清唱劇（cantata），還有宣敘調（recitative）等皆在此時興起。最後達到巔峰時期，在巴赫與韓德爾兩位偉大的作曲家寫完眾多的傑作之後，巴洛克音樂時代於是畫下了休止符。
數字低音與單音歌曲的出現
「數字低音」(又稱「通奏低音」，thoroughbass）是「巴洛克音樂」最主要的特色，所以巴洛克音樂時代也叫「數字低音時期」，數字低音的運用，導致曲子結構成為兩條線在發展；就是旋律與低音，有很強的對比效果，產生數字低音與高聲部渾然天成的美妙，其中留著一個空間，可插入即興的和聲。另外一個特點是即興演奏的風行與裝飾音的廣泛使用。這些都被用在獨奏奏鳴曲或是三重奏鳴曲上，它們在音樂形成時，提供了很重要的即興低音基礎。
所謂「單音歌曲」是在一個旋律上配以簡單的和聲伴奏的作曲法，簡潔清楚讓人易於聽懂，適合用在歌唱或是樂器獨奏。就像建築物一樣，有了低音穩固的基盤，就可以在上面蓋出各種風貌的漂亮外觀。弦樂器以三個聲部輪唱旋律，一個搭一個，或前或後的出現。就像樓房一層、一層的往上加，錯綜複雜，最後成了宏偉壯麗的「聲音的建築物」。
這是1580年前後在意大利佛羅倫斯所孕育出來的形式，在文藝復興時期的複音音樂，有比較多的聲部和不同的旋律交織在一起，雖然呈現著優美的線條，但是比較複雜，讓人難以聽懂，它大都用於教會音樂，因為能夠表現出宏大莊嚴的氣勢。當時人們想聽到另外一種清晰、單純、稍快節奏的聲音，就有一些作曲家用這種簡單易懂的作曲手法來表現，也讓歌者易於表達感情。
歌劇在不斷改良中確立地位
最早的歌劇是在1600年意大利佛羅倫斯的作曲家佩麗（J. Peri，1561年至1633年）寫的《幽麗笛彩》（Euridice），他是根據希臘神話故事而寫的，後來有許多的作曲家也用這個題材來寫歌劇。佩麗在此部歌劇中就是用了「單音歌曲」的形式。威尼斯的蒙台威爾第（Monteverdi，1567年至1643年）也繼承這種形式做更近一步的改良，在1607年做了《奧菲歐》（Orfeo），他在劇中加入很多戲劇音樂，充份發揮了詩的情境、增強旋律的美感與和聲的豐沛，以及極具效果的器樂編製，風格已接近現代歌劇，已漸漸地樹立了歌劇的地位。後來又出現在拿坡里的史卡拉第（ Alessandro Scarlatti，1660年至1725年），他一直在做歌劇的改良，也發展出一種風格的歌劇。他對人聲甚為了解，尤其在獨唱的清唱劇中表露無遺。1762年德國作曲家葛路克（ Christoph Willibald Gluck，1714年至1798年），也寫了一部名作《奧菲歐與幽麗笛彩》（Orfeo ed Euridice）。
在歌劇中以樂器的和聲伴奏方式，歌者以唱述的音調唱著劇中的情節，這叫做宣敘調，這些朗誦方式，在前述的作曲家的作品中都有出現，後來這樣的唱法，史卡拉第使其發展成由主角以優美的旋律而唱出動人的歌聲，就是所謂的「詠嘆調」，於是意大利歌劇傳統從此被確立起來了。
至於神劇，是受到歌劇的影響而產生，是一種以宗教故事內容為題材，用演唱或演奏方式來表達對神的敬仰與對神的祈求禱告，後來神劇的命脈延續於新教徒較多的德國，德國作曲家巴赫、韓德爾與海頓等留下了許多的不朽神劇名作。
弦樂器及鍵盤樂器的製造
巴洛克時代當然也有樂器的產生，它隨著音樂的走向在發展與改良，在意大利與德國分別盛行著弦樂器及鍵盤樂器的製造。16至17世紀意大利有三個著名的優秀小提琴製造家族；阿瑪第（1596年至1648年）、圭奈裏（1626年至1698年）和史塔第瓦利（1644年至1737年）等，他們的技術已經是後無來者了，小提琴的身價，也隨著它無比優美的琴聲價高連城了。這時代的音樂家在意大利除了柯賴里外，還有韋瓦第（Antonio Vivaldi，1678年至1741年）和塔替尼（Tartini，1692年至1777年），他們都是重要的、優異的演奏家與作曲家，為小提琴音樂開拓了一條康莊大道。而韋瓦第有另外一個有別於這時期的作曲法，他喜好用標題定出音樂的內涵：「標題音樂」，如他的名作《四季》。另外在德國生產管風琴和大鍵琴，管風琴都放在教堂中演奏，這個龐大的樂器被稱為樂器之王，能發出莊嚴宏亮、震撼人心的聲響。巴洛克時代的德國是風琴音樂的中心，早期的風琴大師巴克斯泰烏德（Buxtehude，1637年至1707年），曾經是影響巴赫極深的大師之一。
也屬鍵盤樂器的大鍵琴，又叫古鋼琴，是一種撥弦發聲的樂器，普遍用在16到18世紀之間，在此之前大鍵琴的音樂主要是舞曲，巴洛克時代則著重在組曲與變奏曲上，在初期意大利有一群音樂家，他們對大鍵琴比管風琴更為熱衷，代表人物為富雷斯可巴第（ Girolamo Frescobaldi，1583年至1643年），他亦是個歌唱家，有高度的作曲技巧，共有68首風琴曲之多。同樣寫了許多奏鳴曲的法國作曲家庫普蘭（François Couperin，1668年至1733年）與意大利作曲家杜明尼可史卡拉第（Domenico Scarlatti，1685年至1757年），都是當時有名的大鍵琴家。史卡拉第還創造了兩手交叉彈奏的方法與快速音階的延長，他的名氣似乎凌駕於著名作曲家父親亞歷山大．史卡拉第（Alessandro Scarlatti）之上。
巴赫也為大鍵琴做了眾多不朽的作品，包括創意曲、平均率鋼琴曲集、英國與法國組曲、組曲、半音幻想曲及賦格、意大利協奏曲、法國序曲與哥德堡變奏曲等。與巴赫同時期的韓德爾亦有重要的貢獻。
縱觀這偉大特殊的時代，巴洛克音樂是絕對地、完全地展現聲響之美，強調聲音的獨立存在，從這些由古樂器演出的巴洛克時代音樂裏，可以聽到一種「被遺忘了的聲音」——很遙遠、很典雅，音色清澈，無負擔。就像潺潺細流的河水，只要親近它，就能感受到被淨化後煥然一新的神清氣爽。◇
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